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Barishnikov: Traemos un programa para intérpretes con una experiencia de vida

A 12 años de su última visita. El genial bailarín vuelve para presentarse el 23 y el 24 en el Coliseo. Habla de tango y de que aún hoy continúa entrenándose todos los días.

Pasados doce años de su última visita, el genial Mijail Barishnikov (62) regresa a Buenos Aires trayendo un programa de cuatro obras que compartirá con una bailarina descomunal: la española Ana Laguna (55), esposa del coreógrafo Mats Ek. El propio Ek ha creado dos de las piezas que componen este programa: Place (un dúo para Laguna y Barishnikov) y Solo for Two , para Ana Laguna. El programa se completa con Years Later , de Benjamin Millepieds, un joven y activo coreógrafo francés, y Valse-fantasie , del ucraniano Alexei Ratmanski. Serán dos únicas funciones, el 23 y el 24 de octubre en el Teatro Coliseo.

La entrevista telefónica, a muchos miles de kilómetros de distancia, comienza con una excusa: Discúlpeme, mi inglés no es demasiado fluido.

El mío tampoco. Ambos somos extranjeros en el idioma inglés.

Efectivamente, con sus más de tres décadas viviendo en los Estados Unidos, con una esposa y cuatro hijos norteamericanos, Barishnikov conserva en el inglés fuertes inflexiones de su lengua rusa nativa. Por lo demás, la entrevista , contrariamente al laconismo y reserva que se le atribuyen, encuentra a Misha (su apelativo, por el que todo el mundo lo conoce) en un ánimo sumamente comunicativo y jovial.

¿Cómo surgió este proyecto compartido con Ana Laguna? ¿Es la primera vez que trabaja con Mats Ek? Sí. Aunque ya había bailado en Suecia una obra que Mats había creado para su hermano Niklas, esta es la primera vez que soy dirigido por él. Lo conocía -socialmente quiero decir, así como también a Ana- y admiraba mucho el trabajo de ambos. Un día me llamó Mats y me dijo que tenía la idea de una pieza para Ana y yo. Así comenzó.

¿Mats Ek quizás les propuso inicialmente que improvisaran sobre la idea que tenía? ¿O les llevó la obra ya armada? No hicimos ningún tipo de improvisación. En cierto sentido, Place es una obra de danza-teatro. El trabajo de Mats es muy meticuloso y muy físico, pero tiene también un punto de vista psicológico. Somos dos personajes, aunque realmente no haya en la obra ninguna historia, ni argumento ni narración. Pero contiene algo romántico, y también algo un poco fantásmagórico y perturbador, como un eco de la vida de dos personas. Las cuatro piezas del programa, cada una a su manera, hablan de circunstancias o de personas. Fuimos muy cuidadosos al reunirlas porque en cierta forma reflejan la experiencia de vida de dos personas como nosotros, que ya no somos jóvenes.

No visitaba la Argentina desde hacía doce años.

Es verdad, transcurrió mucho tiempo desde que estuve por última vez. Lo cierto es que estrenamos este programa hace dos años, desde entonces estamos haciendo giras prácticamente por todo el mundo, resultó lo que suele llamarse “un gran éxito” y nos gusta mucho hacerlo. Esta es nuestra primera gira a Sudamérica adonde Ana tenía muchas ganas de ir. Había estado en Buenos Aires hacia fines de la década del 80, acompañando a su marido y al Cullberg Ballet. Pero en esa oportunidad no bailó, porque poco tiempo antes había nacido su segundo hijo. Realmente tenía muchas ganas de ir y yo estuve de acuerdo.

Decía que los personajes de “ Place” tienen cierta densidad psicológica. En los innumerables roles que le ha tocado hacer, ¿usted se inclina más hacia la danza pura o hacia la danza con algún tipo de narrativa? He bailado a lo largo de mi carrera todo tipo de obras, incluidas, claro, obras de danza pura. En realidad, no he tenido problemas ni preferencias, ni tampoco necesito diferenciarlas. Hay aspectos valiosos en ambas posibilidades y sólo depende de la calidad con que estén hechas.

Si piensa en su formación como bailarín en la entonces Unión Soviética, ¿qué es lo más importante que le ha dejado la escuela rusa de ballet? Ciertamente la escuela rusa es aún hoy la mejor escuela de ballet. Enseña todo acerca del cuerpo y del trabajo de la danza, aunque también es una cuestión de disciplina y de comenzar a una edad muy temprana. Claro que es preciso practicar diariamente, pero eso ocurre en todas las demás cosas: estudiar violín, hacer yoga, escribir poesía, es completamente necesaria la práctica diaria. La escuela rusa es sin duda mi alma mater, aunque hace ya muchos años que abandoné la carrera de bailarín clásico y tomé otros caminos: la danza moderna, la danza contemporánea, la post-modern dance . Pero todos los días hasta hoy hago mi clase de ballet -la barra, etc.-, incluso los domingos, y tengo dos maestros que son además amigos míos muy cercanos: uno de ellos es Azari Plisetski, hermano de Maia Plisetskaia, que nos acompañará en la gira a Sudamérica para mantenernos en buena forma ( se ríe) . Espero con alegría esta visita a Argentina. Me gusta mucho su país, y espero tener tiempo para visitar algunos salones donde se baila tango, tomar unas copas de ese buen vino argentino y escuchar hablar el bello idioma español.

Tengo entendido que en los ‘80 usted era un asiduo espectador en Broadway de la revista musical “Tango Argentino” y que que admiraba particularmente a Virulazo.

Sí, claro. Me gusta ver buenos espectáculos de tango y es una verdadera inspiración ver a esos maravillosos bailarines maduros, seguramente ( lanza una carcajada ) porque yo mismo soy un bailarín maduro. Ver a alguien de mi edad bailando tango me da una esperanza.

¿Encuentra alguna satisfacción en su clase diaria de ballet? No, ninguna. Sólo sé que tengo que hacerlo y es hasta cierto punto automático. Quizás a la mañana preferiría estar leyendo o tomando dos buenas tazas de café; pero es así, una necesidad.

Usted ha trabajado con los más grandes nombres de la danza del siglo XX: desde George Balanchine hasta Merce Cunningham, pasando por Martha Graham. ¿Le parece posible referirse aunque fuera brevemente a su experiencia con ellos? Oh, mi Dios. Fueron tan grandes y tan diferentes entre sí; todos ellos, cada uno a su modo, revolucionaron la danza del siglo XX y transformaron también la perspectiva sobre la danza. Fue una enorme experiencia trabajar con ellos y no sólo bailar sus coreografías, sino incluso compartir el escenario. Me refiero especialmente a Merce Cunningham, porque representa un pensamiento de vanguardia que no sólo afectó a la danza y a la manera en que la danza puede verse, sino al arte en su conjunto. Pensemos en su colaboración con John Cage.

Cuando díce “compartir el escenario” se refiere a la función en que usted bailó con Merce Cunningham, durante los festejos por el octogésimo aniversario del coreógrafo. El tenía ya problemas articulares, ¿no es cierto? Sí, pero había creado algo para sí que verdaderamente pudiera representar dentro de sus limitaciones físicas. Compartíamos el escenario en dos partes simultáneas y paralelas, como él solía concebir la danza.La pregunta sobre mi experiencia con Merce Cunningham necesita una respuesta que sólo podría darse en otra entrevista y sin duda no podría ser telefónica. Aprendí mucho con Merce Cunningham y fue una de los acontecimientos más importantes de mi vida.

Por Laura Falcoff

16/10/10

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